TODO LO QUE DEBES SABER PARA EL ESTUDIO Y LA INTERPRETACIÓN DEL PRIMER MOVIMIENTO DEL CONCIERTO Nº 3 EN SOL MAYOR K. 216 DE MOZART
1 - EL CONCIERTO Nº 3 PARA VIOLÍN EN SOL MAYOR K. 216
El Concierto para violín n.º 3 en sol mayor, K. 216, fue compuesto por Wolfgang Amadeus Mozart en Salzburgo en 1775, cuando tenía 19 años. Para entonces ya había compuesto los cinco conciertos para violín.
Al nº 3 se le reconoce con el sobrenombre "Strassburg" gracias a una melodía etiquetada como 'à la mélodie de Strassbourger' .
En este momento W. A .Mozart era el primer violín de la orquesta del príncipe arzobispo de Salzburgo. Ya en esta época viajaba junto a su padre Leopold y dando conciertos con el teclado donde asombraba por su genialidad. Solamente algunos había tenido la oportunidad de disfrutar de su genialidad con el violín .
El concierto nº 3 de Mozart en sol mayor k 216 representa uno de los principales conciertos del repertorio de los violinistas, interpretado por estudiantes y por profesionales solistas en todo el mundo, y es de los más demandados por público e intérpretes de nuestro tiempo por su brillantez y alegría. Y responde a una estructura clásica de tres movimientos tradicionales: rápido, lento, rápido, en concreto Allegro-Adagio y Rondó.
Contexto histórico musical: El clasicismo sucedió aproximadamente entre los años 1750 y 1820 en Europa, siendo Viena el centro musical más importante, seguida por otras ciudades como París.
Hasta ahora la música y los conciertos eran cosa de la aristocracia y se desarrollaban de manera privada. Es en este período del clasicismo cuando el público de la burguesía va difundiendo la música, y este acercamiento provoca un aumento en el alcance de la música al público general.
Wolfgang Amadeus Mozart fue el compositor más relevante del clasicismo no sólo por su genialidad musical, sino también por abarcar tantos géneros musicales. Sin duda un genio universal. Sus conciertos para violín son muestra de ello.
A continuación nombraré algunas de las características más importantes del clasicismo, y más concretamente del clasicismo mozartiano en el Concierto para violín nº 3.
2- CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES CLASICISMO:
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3 - ESTRUCTURA DEL CONCIERTO PARA VIOLÍN Nº 3 EN SOL MAYOR K.216:
Primer Movimiento: Allegro
Tonalidad: Sol mayor
Forma: Sonata clásica
“Exposición” Presentación de los temas principales por parte del violín solista y la orquesta. Primer tema (primer tema principal) seguido de un segundo tema (segundo tema principal) en una tonalidad relacionada.
“Desarrollo” Exploración y modulación de los temas presentados en la exposición. Esta sección a menudo incluye desarrollos temáticos y exploraciones armónicas.
“Reexposición” Recapitulación de los temas principales en la tonalidad principal.
El Allegro está escrito en forma de sonata y se abre con un tema en sol mayor interpretado por la orquesta. El tema principal es una discusión brillante y alegre entre el violín solista y el acompañamiento, seguida de una modulación a re mayor, su dominante y luego a su tono paralelo de re menor. Experimenta en otras tonalidades, pero no se asienta y, finalmente, regresa a la tónica, sol mayor, en la recapitulación donde vuelve a exponer los temas en la tonalidad de Sol mayor.
4 - RETOS VIOLINISTICOS:
En cierto modo, su estructura clásica en forma de sonata, así como su belleza y su aparente simpleza, lo convierten en una partitura que a priori parece de fácil abordaje. Es obvio que es una falsa apariencia, ya que en realidad:
el Concierto nº 3 de Mozart, esconde una multitud de desafiantes retos técnico musicales que afrontar.
Interpretación: Estilo y Carácter
Reto: lograr una interpretación que aúne los cánones interpretativos del clasicismo mozartiano.
El concierto de Mozart en Sol Mayor es conocido por su refinamiento clásico y su equilibrio entre la estructura formal y la expresión lírica, casi operística. Mozart emplea melodías elegantes y líneas melódicas cantables que requieren una técnica de arco fluida y una atención meticulosa al fraseo y la dinámica. De carácter alegre, brillante y virtuoso, reflejado en los diferentes pasajes rápidos y articulados.
Aunque el concierto es técnicamente exigente, también contiene secciones melódicas y líricas que requieren una interpretación sensible y emotiva. Transmitir la belleza y la elegancia de estas melodías es fundamental para captar la esencia mozartiana.
Técnica Violinística:
Reto: resolver con fluidez y naturalidad los problemas y exigencias técnicas de la partitura .
Técnicamente exigente, la obra presenta pasajes rápidos y virtuosos, incluye acordes, escalas rápidas, arpegios, y otros pasajes que requieren una técnica sólida y una ejecución clara y precisa. Exige una excelente coordinación entre la mano izquierda y la mano derecha.
La articulación, claridad, afinación y velocidad de los dedos trabajando minuciosamente junto al control del arco para la producción del sonido, el fraseo y la articulación exigida.
5 - LOS PROBLEMAS MÁS COMUNES:
A continuación expongo los problemas más comunes que he ido experimentando con los alumn@s, y cómo resolverlos.
La velocidad.
Reto: interpretar a la velocidad adecuada para expresar la música con coherencia de estilo y carácter.
La velocidad de 120 la negra está bien ajustada al estilo y el carácter de la obra. En ocasiones hay alumn@s que esta velocidad es demasiado exigente para poder expresar con claridad y precisión los pasajes más difíciles. Si bajamos unos puntos de metrónomo hasta 112- 116 la negra, encontramos un desahogo en la velocidad, el resultado puede ser bueno si se presta atención al estilo brillante y alegre. Desde mi experiencia es mejor ganar calidad y claridad de ejecución junto al equilibrio rítmico, frente a querer llegar a una velocidad que ensucie los pasajes, o no estén expresados con naturalidad provocando además desajustes y desproporcionalidad rítmica.
Recuerda que el objetivo es lograr una ejecución acorde al estilo y carácter del clasicismo, que se caracteriza por su claridad, sencillez, elegancia, belleza, simetría, proporción y solidez en la tonalidad.
Se me ocurre citar la frase que popularizó Ludwig Mies van der Rohe, un destacado arquitecto alemán-estadounidense y una de las figuras más influyentes en la arquitectura del siglo XX: “Menos es más”, como una expresión concisa de una idea poderosa: la simplicidad y la reducción pueden llevar a una mayor efectividad y belleza. |
La mano izquierda: los dedos.
Retos: lograr una articulación clara y precisa, construir una afinación justa, naturalizar la velocidad, la agilidad de los dedos, la ornamentación con fluidez, y utilizar un vibrato al servicio de la interpretación.
La música mozartiana es conocida por su claridad y precisión en la articulación. Los cambios rápidos de ritmo y acentos requieren una atención meticulosa a los detalles para mantener la coherencia musical y el impulso rítmico.
Te recomiendo revisar minuciosamente cada pasaje, a velocidad lenta, tomando consciencia de cada movimiento necesario, de preparación como de ejecución, utilizando el arco en su justa medida y proporcional a la velocidad, y poco a poco ir aumentando hasta conseguir la velocidad deseada.
El primer acorde, es fundamental que prepares con anticipación tu postura corporal para poder ejecutar, impulsar el acorde con carácter y estilo, es sencillo, ligero, perfecto y ajustado para reposar en la segunda parte. El gran maestro Vengerov, lo compara con la trayectoria que tiene un balón de baloncesto, el impulso, antes de caer en la canasta. Es un ejemplo maravilloso!.
Las escalas y arpegios en semicorcheas, puedes trabajar por separado cada pasaje, no olvides atender a la tonalidad, a la afinación justa, a la resonancia y a los armónicos. Hay pasajes concretos, de terceras rotas o arpegios que puedes trabajar en dobles cuerdas. También es útil estudiar estos pasajes con variaciones rítmicas para conseguir equilibrio, igualdad y velocidad en la articulación.
Es de suma importancia prestar atención a las sensaciones físicas de la mano izquierda, sin tensiones innecesarias y buscando el desarrollo de la capacidad de ajustar la sensibilidad de los dedos. De este modo podrás expresarte con naturalidad y fluidez, y tu interpretación mejorará de manera inmediata.
Los cambios de posición, deben de ser directos y muy limpios, claros, bellos y afinados. Trabajar los cambios de posición por separado ayuda a mejorar la técnica de ejecución de los cambios y refuerza el control auditivo para controlar la afinación.
En los cambios de posición es muy útil preparar con anticipación la colocación del brazo izquierdo como puente para alcanzar la nueva posición, especialmente en los grandes saltos. También presta atención en preparar de manera específica el dedo que realiza dicho cambio, así como al tacto y sensibilidad de los dedos con la cuerda.
Es recomendable estudiarlos lentamente para progresar en velocidad necesaria, primando la claridad de ejecución.
La ornamentación, los trinos, los grupetos y las apoyaturas aparecen como recursos que embellecen la frase musical y como tales requieren su técnica de ejecución específica.
En el caso de la mano izquierda los trinos se trabajan con variaciones rítmicas y de velocidad, debes de tener en cuenta el dedo que reposa y el dedo que realiza el batir sobre el diapasón. Para desarrollar un trino bello, presta atención a no tensar el dedo que reposa y a liberar el que tiene movimiento.
En el periodo clásico los trinos comienzan con la nota real. La dificultad del grupeto radica en la facilidad y fluidez de ejecución encajando rítmicamente en su lugar. Las apoyaturas se utilizan para enfatizar ese momento musical y van acompañadas de un pequeño acento o apoyo.
El vibrato, como recurso expresivo que es, debe de ajustarse a las necesidades de la interpretación y todas sus características. Estarás de acuerdo conmigo que el vibrato que utilizarás en el primer acorde no es el mismo que utilizarás en el pasaje de gran expresividad lírica que aparece momentos previos a la reexposición del tema principal.
A través de la práctica de un vibrato más estrecho, más ancho, más lento o más veloz vas a descubrir las diferentes texturas y colores que ofrece el vibrato para ponerlas al servicio de la interpretación.
En este caso Mozart, no requiere la misma textura y color que Brahms, por ejemplo.
Trabaja para obtener un vibrato bello, refinado que ayude a la expresión lírica de los pasajes melódicos, además un vibrato continuo es primordial para dar continuidad a la línea larga del fraseo. Es común que el vibrato se interrumpa por una dificultad técnica, y la melodía se entrecorte sin continuidad del fraseo.
También el vibrato es complementario a otro tipo de expresiones como un acento o una apoyatura que dará un pequeño impulso para ayudar a ese instante.
Puedes trabajar ejercicios simples de vibrato con diferentes rítmicas y velocidades, así como ejercicios de continuidad de vibrato. Pregunta a tus profesores sobre estos ejercicios.
La mano derecha: El arco.
Retos: Técnica de arco exquisita y controlada. Los diferentes golpes de arco y el fraseo musical.
El arco como productor del sonido juega un papel primordial para enfrentarte a los desafíos técnicos que encuentras en este brillante concierto. El control y el refinamiento del arco en la expresión musical, definen la brillantez técnica del concierto.
Aparecen acordes claros y sonoros, articulaciones limpias en los pasajes rápidos y virtuosos, cambios de cuerda ligados y sutiles, acentos precisos, impulsos rítmicos, diferentes golpes de arco, el detache, el spicatto, el ricochet, el vibrato, el fraseo y la expresión lírica, las dinámicas contrastadas.
Los acordes, el arco debe estar situado en el lugar idóneo para realizar el impulso del primer acorde, un error común es situar el arco demasiado a la punta, por el hecho de comenzar arco arriba.
Los siguientes acordes, arco abajo, precisan otro tipo de control, de no exceder el acento y de controlar la velocidad del arco.
Es útil experimentar diferentes alternativas variando el punto de contacto del arco con la cuerda, la velocidad y la cantidad de arco para hallar una sonoridad bella y ajustada a tu interpretación.
Los pasajes rápidos, la cantidad de arco empleada debe de ser proporcional a la velocidad de las escalas y arpegios. La parte central del arco será la referencia de inicio para estos pasajes.
Te recomiendo que veas las interpretaciones de las dos grandes violinistas Hilary Hann o Anne Sophie Mutter, y observes con atención como cada semicorchea está en el lugar correcto, como la cantidad de arco es la que es, como los impulsos rítmicos te trasladan a otro punto del arco para servir a la necesidad concreta del pasaje inmediato.
El gran objetivo es que controles tu arco, para conducirlo allá donde sabes que está el lugar adecuado para cada pasaje. Para los cambios de cuerda es primordial situar el codo del brazo derecho entre las dos cuerdas, de este modo alcanzarás con mayor facilidad ambas cuerdas.
Los golpes de arco. Detaché y spiccato:especialmente en las escalas, arpegios y pasajes de semicorcheas aparecen contrastados por las dinámicas expresivas dos tipos de golpe de arco, detaché a la cuerda para el forte, destacado pero corto, con el peso natural del brazo, y spiccato fuera de la cuerda para el piano, ligero aliviando el peso y dejando que el arco salga de la cuerda al reducir sustancialmente el peso.
Ocurre algo similar en pasajes de semicorcheas con las articulaciones de dos ligadas dos sueltas en dinámicas de fuerte y piano.
Ricochet en pasaje de dos semicorcheas y cuatro corcheas, es fundamental que el lugar y la cantidad de arco estén ajustadas, es un arco de técnica exigente y de gusto refinado.
Ligaduras en pasajes de semicorcheas contrastados por dinámicas de fuerte y piano. Es importante la distribución de la cantidad de arco que empleamos para cada grupo de semicorcheas.
El fraseo musical, en el clasicismo encontramos la frases simétricas de ocho compases atendiendo a cánones estéticos de la época.
Frases claras de 4 compases en forma de antecedente y consecuente. Y fue Mozart quien de manera magistral organizó su estructura musical, dividiendo estas frases en periodos y a su vez motivos. A partir de los cuales utilizando ideas enfrentadas expresa a la perfección la articulación dramática y operística de la frase.
Los ritmos regulares y predecibles ayudan a mantener la coherencia y la claridad en la estructura y el fraseo, añadiendo equilibrio y belleza al concierto.
Los temas melódicos son característicos por su claridad y elegancia, típicos del estilo clásico mozartiano, aprovechando al máximo las capacidades del violín solista para explorar diferentes matices y emociones.
El control de arco en sus conceptos de velocidad, peso, cantidad, distribución de arco y punto de contacto de éste con la cuerda son elementos fundamentales para expresar el estilo mozartiano, cargado de expresividad lírica y articulaciones dramáticas al más estilo operístico. Es importante atender de manera detallada y meticulosa cada articulación, cada acento, cada impulso, cada detalle que esté implicado en el fraseo. Presta atención a los comienzos y finales de frase, que sean precisos y claros.
La interpretación del concierto nº3 de Mozart requiere una técnica de arco fluida y una atención meticulosa al fraseo y la dinámica.
6 - RESUMEN:
Resumen de los retos del Concierto para Violín Nº 3 de Mozart
Interpretación: Lograr una interpretación que combine los cánones del clasicismo mozartiano, enfatizando el estilo y carácter de la obra.
Técnica de arco: Desarrollar un control exquisito del arco, incluyendo diferentes golpes y fraseo musical, para una expresión adecuada.
Coordinación mano izquierda y derecha: Mantener una articulación clara, afinación precisa y velocidad en los dedos, enfrentando pasajes rápidos y virtuosos.
7 - CONCLUSIÓN FINAL:
La interpretación del Concierto nº 3 de Mozart en sol mayor debe de realizarse a la velocidad adecuada para expresar la música con coherencia y carácter de estilo clásico mozartiano. Un fraseo con una articulación y afinación clara y precisa que a través del control del arco como productor de sonido encuentre la expresión musical y brillantez técnica que merece la partitura. |
"Lo más necesario, difícil y principal en la música, es el tiempo""La melodía es la esencia de la música""La música es ni vida y mi vida es música" W.A. Mozart . |
¡Gracias por tu tiempo y tu lectura!
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